EL COLOR (9)

EL COLOR Para poder conseguir un color deseado, tendremos que contestar previamente a varias preguntas, lo que nos vá a permitir igualar un color al cual queremos llegar. Dichas preguntas podríamos resumirlas en las siguientes: *¿QUE COLOR ES?--> La respuesta podrá ser: rojo, naranja, azul, verde, amarillo, gris.... *¿ES UN COLOR PURO O CON ALGUNA TENDENCIA?--> La respuesta, si no se trata de un color puro será que tiene tendencia hacia...; si por ejemplo se trata de un rojo, podrá tender hacia un naranja o hacia un violeta (recordad la rueda de colores), y si es un amarillo tendrá tendencia al naranja o al verde; siendo un azul, la tendencia sería hacia el verde o hacia el violeta.... *¿COLOR BRILLANTE O APAGADO?-->Es decir, presenta la máxima intensidad del color, o es de tendencia grisácea (y en qué grado).-Cualquier color nos podrá presentar su máxima saturación o bien tener una saturación media (con cierta cantidad de gris), o ser simplemente un gris con una pequeña cantidad del color (saturación baja). *¿ES UN COLOR CLARO U OSCURO?-->Dependiendo del grado de claridad del color, podrá ser alto, medio o bajo --siempre comparándolo con los valores de la escala. << Este es el color que queremos conseguir (1) < Hemos cogido el violeta de nuestra paleta y analizamos la diferencia más destacada respecto al original: es de tono y en concreto hacia el claro. < Agregamos pues un poco de blanco y observamos que la diferencia ahora es de tendencia, pues nuestro color tiende al rojo, así que añadimos azul (y blanco si vemos que es necesario). < Vemos que la diferencia ahora es de intensidad, ya que nuestro color es más brillante que el original (que es más agrisado) < Así que para reducir la intensidad y agrisar el color, un toque del color complementario (amarillo-naranja), con lo que tendremos el color buscado.

<< Este, el color a conseguir en este nuevo ejercicio (2). < Cogemos el amarillo que tengamos en la paleta, en este caso amarillo-cadmio, observando diferencia en tono, concretamente hacia el oscuro. < Oscurecemos con negro fabricado(carmin+verde) y observamos, viendo que aún es demasiado amarillo, procedemos pues a rebajar la intensidad < Para ello usaremos un poco del complementario: el violeta (azul+carmin) y observamos, comprobando que hay tendencia al rojo. < Así que reducimos esa tendencia con un toque del complementario del rojo (el verde), con lo cual hemos conseguido igualar perfectamente el color. Se trata de una lección importante en la parte teórica de la pintura, que debes esforzarte por comprender perfectamente, así como practicarla cuantas veces necesites. Está ligada íntimamente con el tema de "obtener un color determinado". Aquí lo que debes hacer es elegir un color al azar que te parezca algo complicado. Una vez que lo tengas, házte las preguntas que hemos visto en esta lección y trata de obtener dicho color siguiendo las reglas que has visto. En principio te puede parecer complicado, pero verás que llega un momento en que la obtención de cualquier color no tendrá secreto alguno para tí; de eso se trata ¡¡ ni más ni menos !!. Venga, que no es tan complicado como parece.

EL "COLOR CARNE" EN PINTURA - Voy a tratar hoy un tema que creo muy interesante para cualquier artista, y en especial para aquel que se sienta inclinado a pintar la figura humana bien sea en retrato individual o en una vista en que aparezca aquella; dicho tema es el de encontrar una respuesta a la pregunta ¿de que color es la carne?, y la respuesta inmediata será "no hay un único color carne". - Ello es debido a que dicho color depende mucho de las características de la piel --podrá ser morena, blanca, sonrosada, con tendencia enfermiza...y en fín de persona anciana o muy joven--, sin olvidar que también variará en función de la luz que reciba, que podrá ser natural o artificial.-Sin olvidarnos que será además el artista quien decida la paleta que vá a usar y por tanto los colores con los que jugará en su pintura. - Vamos a tratar de verlo todo poco a poco y a ver si soy capaz de transmitir los conocimientos que tengo sobre el tema, para que luego cada uno sepa interpretarlos y adaptarlos a su estilo propio, de manera que pueda elegir lo más adecuado en cada caso. - Creo que unas imágenes os darán una idea muy clara de la interpretación tan diferente que han hecho diversos artistas sobre el color de la carne, y de como tratándose de colores tan diferentes los elegidos, la carne ha sido perfectamente representada, observad:

- Se aprecia perfectamente como en el primero de la izquierda, Andrè Derain hace un uso de cualquier color imaginable y contrastes muy acusados, pero perfectamente estudiados; en el del centro Gauguin nos muestra una de sus obras sobre mujeres tahitianas que tan bien conocía, donde la paleta mucho más limitada consigue igualmente transmitir el color carne característico de los habitantes de aquellas latitudes.Finalmente, a la derecha vemos un fragmento de una obra de Lucien Freud en el que nos aparece una piel totalmente distinta a las anteriores y que representa a la perfección una tez pálida tan diferente de las otras dos....y seguimos. - Comprendereis pues que ante la pregunta ¿que colores para la carne?, la respuesta es muy simple, pero es que no hay otra: cualquier color resultado de la mezcla del amarillo, rojo y azul, con o sin el blanco; habrá que saber elegir el amarillo, rojo o azul adecuados en cada caso y mezclarlos en las proporciones justas, sin que tengan que intervenir los tres a un tiempo.Si además tenemos en cuenta que el pintar el color de la carne, es pintar un degradado que vá de las partes más luminosas hasta las más oscuras en sombra de una forma progresiva y evitando las durezas, todo ello mediante el oscurecimiento de las mezclas de forma correcta. - Deberemos también tener muy en cuenta que además será muy importante relacionar los colores de la figura y los del ambiente, para que toda la obra tenga uniformidad. - Por lo general, los colores que necesitaremos usar cuando pintemos el color de la carne van a ser: BLANCO, AMARILLOS CADMIO Y LIMÓN, OCRE AMARILLO, VERDE ESMERALDA, ROJO CADMIO, CARMÍN DE GARANZA, y AZUL ULTRAMAR que usados convenientemente nos van a permitir un amplio abanico de tonos-carne. Veamos algunas mezclas posibles: * Amarillo limón+rojos+blanco nos darán unos colores perfectos para zonas iluminadas que podremos ir oscureciendo y matizando con toques de ocre, pudiendo jugar con las mezclas para obtener colores más rosáceos o acarminados. * Amarillo cadmio medio+rojos+blanco que nos dará mezclas algo más apagadas y tendencia al naranja, pudiendo también oscurecer con toques de ocre; serán algo más "calientes" que las anteriores, como consecuencia del amarillo usado. En ambos casos, el paso gradual a las zonas oscuras se hará como hemos dicho con toques de ocre, pero si queremos acentuar las sombras sin saltos bruscos, tenemos la ayuda de los colores tierra (siena natural y tostada), y además del azul ultramar, siempre sin pasarse. Pero si queremos adentrarnos en una gama fria de tendencia verdosa: * Amarillo cadmio medio+Ocre+Verde permanente+Blanco * Amarillo limón+Ocre+Verde perm.+Blanco, y para oscurecer, Siena tostada (siempre tener en cuenta que los toques de verde, ocre y siena deberán ser muy tenues porque es muy fácil pasarse sin solución, salvo empezar de nuevo) * Amarillo cadmio medio+Ocre+Verde esmeralda+Blanco será otra mezcla que dará mucho juego y que se irá oscureciendo con Siena tostada. - Y no olvidemos que a su vez el Siena tostada podremos oscurecerlo con unos ligeros toques de azul ultramar, lo que nos permite tener nuevas mezclas de cara a obtener las zonas en sombra. - Será la experiencia y la práctica la que nos permita observar qué colores son los más adecuados en cada caso, teniendo en cuenta el planteamiento que vayamos a hacer de la obra.Sabeis también que en toda sombra intervendrá probablemente el color azul, además del color de la carne en tono oscuro y a veces incluso el color complementario del usado. - Todo depende del deseo que tengamos de contrastar e incluso dramatizar el juego luz-sombra. - Lo más emocionante en pintura es experimentar, pues tenemos en nuestras manos los medios (los colores) y cada uno según su particular visión del tema, hará el uso que crea mejor de dichos medios. Ved en este cuadro de Andrè Derain "Retrato de Matisse", como supo llevar al extremo lo que acabo de explicar respecto a complementarios, matices, etc...: - - Impresionante ¿verdad?, pues no te cortes y deja volar la imaginación, experimenta con diversas gamas, con colores complementarios, con degradados suaves y potentescomo este, puesto que solo tú deberás encontrar EL COLOR DE LA CARNE, "tu color de la carne"; puedes ver a continuación como lo interpretó Picasso en una de sus obras "Retrato de Olga": - Aquí todo está perfectamente calculado, no solo la figura sino el entorno. Espero de verdad que esta lección te haya servido para despejar tus dudas acerca del planteamiento inicial que hacíamos: ¿de que color

LA ARMONÍA EN EL COLOR Todo artista que se plantee pintar una obra deberá tener en cuenta entre otras cosas los principios sobre la ARMONIZACIÓN DE COLORES que aunque contiene unas normas claras, es además algo intrínseco en la propia naturaleza, pues siempre existirá en ella una tendencia de colores que relacionará unos con otros y al mismo tiempo se relacionarán todos entre sí. Todos hemos podido comprobar las diferencias existentes en los colores de un paisaje a plena luz en verano, y otro grisáceo en la zona norte en un día de niebla; y dentro del primero hemos comprobado las diferencias a mediodía o ya bien entrada la tarde donde los colores se vuelven anaranjados y rojizos y como consecuencia teñirá todos los cuerpos de estos tonos. Cuando pintamos en plena naturaleza nuestra primera misión será descubrir la tendencia de ese paisaje para tratar de plasmarla en nuestro cuadro; y si la pintura la hacemos en el estudio, de memoria, tendremos que decidir una tendencia cromática y pintar de acuerdo con la misma Vemos por tanto que nuestra paleta tendrá que ser adaptada en todo momento para ARMONIZAR los colores entre sí de manera que el resultado sea agradable a la vista.La solución será conocer y hacer uso en cada caso de las GAMAS DE COLORES. Todo aquel que se pregunte: "quiero aprender a pintar un cuadro,¿como lo hago? " deberá tener muy en cuenta estos temas, que voy a ofrecer como siempre en estos cursos online gratuítos que nunca serán igual que un taller donde la prática es continua, pero trataremos de enseñar lo importante y luego cada uno deberá llevar a la prática lo aprendido.Espero os sea de utilidad. Nunca pases por alto estos temas teóricos, pues aunque hay tendencia a pensar "...para que quiero yo saber esto...", la realidad es que se trata de temas importantes para el futuro artista; no encontrarás en la vida real actividad alguna en la que antes de comenzar con la práctica, no necesite primero conocer la teoría... Así pues, trata de aprender (y sobre todo "comprender") estos temas que te ofrecemos, aunque parezcan de poco valor. En las dos imágenes que te muestro abajo, puedes observar la gran diferencia que existe entre dos de las gamas que vamos a estudiar: una obra pintada con gama fría y otra usando una gama caliente; o lo que es igual, usando los colores "fríos de la paleta" o bien los llamados "colores calientes", o cálidos. Es normal también usar ambas gamas en una obra, que hagan de "contrapeso" en el resultado final.

Estas son las dos imágenes representativas de las dos gamas más usadas en pintura (fría y caliente): -

UÉ ES LA REGLA DE LA "SECCIÓN AUREA" Vamos a ver hoy una regla matemática que descubrió Euclides en el siglo III a.C. pero que tiene vigencia aún hoy para utilidad del artista en el momento de proceder a encuadrar la futura obra que pretenda abordar, y por tanto a la hora de componer la misma. Fué el matemático Pacioli quien en el siglo XV descubrió la mencionada fórmula y procedió a reflejarla en un libro que escribió ("Divina Proportione") y que ilustró Leonardo da Vinci, donde se propuso desarrollar la citada fórmula, la cual en esencia lo que hace es establecer los "puntos dorados" o "estética de las proporciones" (como los llamaba Euclides). Viene a decirnos que "para que un espacio dado, el cual es dividido en partes desiguales resulte agradable y a la vez sea estético, deberá haber entre la parte más pequeña y la mayor la misma relación que entre dicha parte mayor y el todo". Lo explicado anteriormente se puede ver claramente en la siguiente imagen: Donde suponemos que tenemos una superficie (un lienzo por ejemplo) de unas medidas determinadas; entonces lo que haremos será multiplicar tanto el ancho como el alto del mismo por 0,618, es decir, si mide de abajo hasta arriba 56 cm. lo multiplicamos por dicha cifra y nos dará 34,6 por lo que hacemos la marca superior trazando una línea; seguimos ahora y repetimos esa medida desde arriba hacia abajo por lo que tendremos otra línea. Ahora realizamos la operación a lo ancho, supongamos que el lienzo tiene 78 cm. así que habrá que multiplicar por 0,618 y obtendremos 48,2 cm. por lo que llevamos esa cifra de derecha a izquierda y trazamos la vertical izquierda, luego repetimos de izquierda a derecha y trazamos la vertical derecha a 48,2 cm. desde el lado izquierdo. Tendremos así cuatro líneas que al cruzarse nos darán los "cuatro puntos dorados" agradables y estéticos de los que hablábamos.

Esto llevado a la práctica significa que en toda composición que realicemos a la hora de pintar un cuadro, debería tener en cuenta entre otras, la regla que acabamos de ver, así lo han hecho artistas famosos como Monet: Vereis cómo si efectuais los cálculos, ha tomado para el horizonte la línea inferior que veíamos hace un momento y además ha hecho que el peso del cuadro (los árboles) coincida con los puntos de intersección que también hemos visto. Pero por si no queda claro, el propio Monet en su cuadro "Poppy Field.." nos dá otra lección sobre el uso perfecto de la sección dorada, ved: - El horizonte alto y los pesos de los colores colocados en los lugares adecuados, así que como no podía ser de otra manera: resultado agradable y estético. ¿Y qué decir del gran maestro Van Gogh cuando tuvo la genialidad de crear esto?: .

PINTURA: LAS CLAVES TONALES: Aunque en un tema que vayamos a abordar se manifiesten una gran gama de tonos, siempre deberían reunirse de manera que agrupemos los que más se parezcan entre sí, en 3 categorías que clasificaremos en: CLAROS, INTERMEDIOS, OSCUROS No deberíamos utilizar más de cuatro o cinco tonos si pretendemos que el efecto resulte simple y tenga impacto. Con un tono claro, otros intermedios (no más de dos o tres) y otro oscuro, debería ser más que suficiente para poder resolver la mayoría de los temas. Será una buena ayuda el entornar los ojos y así conseguir un "desenfocado" de los tonos y también se vuelvan borrosos, lo que servirá para poder simplificar y agrupar aquellos tonos más similares, evitando así el común error de querer representar todos. Para determinar los límites tonales habrá que buscar el tono más claro y el más oscuro del tema y establecerlos en el lienzo de tal modo que no los rebasemos; así, el resto de la gama tonal se debe desenvolver entre estos dos extremos. Una obra puede ser resuelta en una clave tonal alta (con dominio de claros), o bien en una clave baja (con dominio de oscuros). Si hacemos uso de cuatro valores: uno blanco, otro intermedio claro, otro intermedio oscuro y el último negro, habremos constituído las 6 claves tonales básicas que, con una estructura correcta nos ván a ofrecer los mejores resultados tonales y un efecto de simplicidad, gran vigor y expresión. En cada una de las claves deberá actuar un tono que sea dominante en extensión. Por ejemplo, en un tema de clave alta como puede ser un paisaje con nieve, el blanco debería ser el tono dominante, y armonizándose con este los tonos intermedios y el negro. En los temas de clave media -bien sea clara u oscura-, que aparecerían en algunos paisajes y escenas de calle, el tono dominante será el tono intermedio claro u oscuro respectivamente. En temas de clave baja, como por ejemplo un tema nocturno iluminado por luz artificial, el dominante sería el negro. De lo anterior deducimos que en otros casos como por ejemplo un paisaje con niebla, la gama nunca contendría los valores extremos (blanco-negro) y por tanto debería limitarse a todos aquellos valores intermedios.